近几年来，由于文化高考竞争的压力，使得转学艺术的学生越来越多，每年参加音乐高考的学生人数也水涨船高，直接导致了音乐高考竞争压力的加剧。如何在考前做好各种准备，在音乐高考中取得成功呢？这是风华国韵声乐教育中心的老师们颇为关注的一个重点环节。风华国韵声乐教育中心的老师们从事艺术高考生的教学多年，积累了丰富的教学经验。下面具体结合钢琴科目的备考谈谈应试策略。

　　一 建立自信和准确定位

　　学习音乐的学生中，有一部分自小习琴，日积月累有一定的弹奏技术和程度，但更多的音乐高考生却是半路出家，在高一才开始系统学习音乐，有的甚至在高三才开始。那么，既然做出选择学习音乐，就要花费大量的时间和精力去投入专业学习，一个良好的学习心态就显得非常重要了。特别是起步较晚的学生，更应该树立起学习的信心。有了信心，就有了动力。辅导老师应该多采取和考生交流谈心，在学习上多鼓励，用成功事例激励考生等多种方法，帮助考生建立起自信心。

　　其次，要对自己有个准确的定位。这个定位指的是应根据自己的学习状况和水平，决定好报考什么学校，什么专业，从而进行有针对性的训练。首先应该对与钢琴有关的专业要有所了解，这些专业包括以下几类：音响导演、作曲、钢琴教育，钢琴表演等等。其次应该对不同的院校要有所了解，各个院校的文化分数要求也不相同。如华师要求除一定的文化分数外，还强调英语单科成绩要过70分，武大要求达到省重点文化分数线的60%。对于文化分数要求较高的院校，填报时应该结合自己的文化学习成绩作综合考虑。此外，还应了解各学校的办学理念，培养模式和目标。如师范类大学偏重教育理念；综合类大学强调专业和学术交流融汇贯通；专业类院校注重专业技能的培养；音乐教育专业要求学生专业全面，能弹会唱，并不强调某项专业特别突出，而表演专业却特别强调专业突出。

　　通过对各类学校各类专业的了解，考生对于自己报考的院校和专业就有了一个基本的认识和“想法”，就能够做到有的放矢。

　　二 如何选择好钢琴考试曲目

　　钢琴诞生300多年来，世界上涌现出了很多优秀的作曲家和钢琴家，钢琴曲目更是多得浩如烟海，那么应该如何去选择适合音乐高考的钢琴考试曲目呢？以下几个原则可以作为参考：

　　第一：考试曲目难度要适中。不同的院校有不同的要求，但这些院校对钢琴技术上的要求是一致的。在自身技术能力范围内，选择难度较大的曲目，无疑对考试成绩的提高是很有帮助的。如报考音乐表演专业，如果考试曲目弹奏相当于考级七，八级难度的曲子是很难进入复试的，通常这个专业至少需要十级以上程度的曲目。但是注意却不可贪“大”，超出自己能力范围所限。因为在考场上，考官是来挑你的毛病，不是来欣赏你的演奏的。如果你勉强拿下一首贪“大”的曲目，由于自身技术的不完善，会暴露出一些毛病和缺点，结果会造成曲子难度上去了，考试分数下来了，相反得不偿失，那么你的分数肯定不如你能“驾驭”的相对小的曲目的得分高。所以如何在自己的技术能力的范围内选取一个既有难度但又适合自己的曲目就需要考生和辅导教师仔细研究思考和“拿捏”的。

　　第二：选择曲目要扬长避短。每个考生的手指条件不一样，学习经历不一样，技术能力也不一样，须在有经验的教师的指导下选择有“靓”点的曲目。例如，女生通常手指短小纤细，灵敏度高，适合弹奏细腻，有一定表现力和深度的曲子。如萧邦的夜曲、圆舞曲、玛祖卡舞曲，舒曼的钢琴叙事曲以及德彪西的钢琴乐曲等等。男生通常手指宽大有力，支撑力和爆发力好，适合弹奏力量型，速度型曲目。如贝多芬、莫扎特的大型奏鸣曲，李斯特的匈牙利狂想曲以及拉赫玛尼诺夫的钢琴前奏曲等等。当然，我们国家的一些优秀的钢琴作品也可以作为参考，如廖胜金的《火把节之夜》、汪立三的《蓝花花》、王建中的《百鸟朝凤》，陈培勋的《平湖秋月》等等。总之，选曲子时要尽量避免选择不擅长的曲目，多考虑适合自己的类型。

　　第三：选择曲目要尽量避免雷同。由于近年来音乐类的考生大量增加，辅导教师教学视野和能力的参差不齐以及个人选曲的的偏好导致大量的考试曲目雷同。以湖北地区考生为例，每年弹奏《幻想即兴曲》、《〈悲怆〉第一、第三乐章》，《夕阳箫鼓》等曲目为多。可想而知，几千人参加考试，少则几十首，多则上百首重复的曲目，如果不是有绝对高人一等的实力，恐怕很难脱颖而出。古往今来，中外钢琴曲不计其数，选择曲目要尽量拓展视野，优中选精。另外，要尽量选择自己喜欢的曲目，这样自己弹起来也有“劲”一些，对弹好曲子有帮助。

　　三 注重钢琴考试曲目的风格

　　要把一首钢琴曲弹得“有滋有味”，必须注重音乐风格。音乐风格是指音乐作品在表现音乐内容的方式、形式、方法方面的总的特征。钢琴作品的音乐风格靠旋律、节奏、节拍、速度、力度、踏板、音色、和声，调式、调性等音乐表现手段来实现，其中节奏、旋律、踏板、力度、以及和声在钢琴作品中尤为重要。

　　首先、关于节奏。往往很多考生钢琴程度较深，但对节奏却把握不好。节奏先于音乐，没有节奏，音乐就没有生命。演奏中，节奏应是放在第一位的。如古典主义时期，斯卡拉帝，莫扎特，海顿的作品节奏要求十分准确，弹奏古典主义曲目的时候最好是打着节拍器。而浪漫主义时期，萧邦的作品光有准确的节奏还不够，须在一定的节拍框架内表现出弹性节奏，也称伸缩节奏（Rubato)。这个是建立在基本的节奏和速度之上的，完全由音乐感觉所决定。印象派代表作曲家德彪西的作品节奏变化更复杂，难度更大。考生应根据考试曲目的节奏特点进行相应的处理。

　　其次、关于旋律。旋律是音乐中最富于表现力的部分。旋律有3种：（1）歌唱性旋律，它擅于抒发情感和表现人的内心世界。奏鸣曲套曲中第1乐章的副部主题、第2乐章慢板主题，常采用歌唱性旋律。如贝多芬《〈悲怆〉奏鸣曲第二乐章》旋律就是这种类型的，曲风舒缓优美。（2）叙述性旋律，它便于直接表达人的感受，述说事物，宣泄情绪。许多奏鸣曲式乐章的主部主题采用叙述性旋律，如萧邦《g小调叙事曲》的主部主题。（3）技巧性旋律，它完全适应钢琴演奏的技术技巧，即器乐化的旋律，在许多奏鸣曲式乐章的主部主题（如贝多芬《热情》奏鸣曲第3乐章主部）中，或在作品的华彩乐段中采用。要弹好旋律首先要认真读谱，找到旋律的动向、形态。要表现好旋律，最重要的是要理解旋律，只有靠自己反复多练、多听，才能体验到作曲家的意图、音乐的风格、句子的结构以及理想的音色、表现的内涵、语气等等。

　　再次、有关踏板。踏板是弹奏钢琴曲目必须注意的十分重要的一个方面。踏板使用的好坏，直接影响到弹奏的声音，色彩和风格。古典主义时期的作品，如莫扎特和海顿的作品，踏板太乱和太多则对作品有损害，建议不踩或者少踩踏板。在浪漫派的肖邦，舒曼，李斯特的钢琴作品中踏板大量的使用但要求更复杂更精细。而印象主义的德彪西、拉威尔的钢琴作品中，他们作品的乐谱中很少有踏板的指示，需要谨慎而敏感的使用踏板。总之，踏板的使用必须在有经验的教师的指导下完成。踏板也不是固定的，要根据节奏和音乐旋律的变化而变化。

　　第四、力度上的变化。不同时期的作品力度处理不一样。古典主义时期作品力度的变化是阶梯状变化，是段与段之间的变化。浪漫主义时期的作品则是句与句之间的变化，而印象派时期的作品是音与音之间的变化。把握好不同时期作品的力度对表现音乐旋律起着重要的作用。在同一个作品内部力度变化的层次也很丰富，如拉赫玛尼诺夫的作品《#c小调前奏曲》中，力度上从ppp到fff进行多次变化，轻柔时如一湾静水，雄壮时如波涛排山倒海，如能较好的把握住力度上的变化，对于乐曲的表达将起到很大的作用。

　　最后、和声的处理。和声是钢琴比起其他乐器更有表现力的手段，钢琴就是和声乐器。古典主义时期和声布局清晰明确，易于分析；浪漫主义时期的和声较为复杂，和声中出现了各种色彩的变化；印象主义作品中常采用九和弦、十一和弦，造成调性模糊的效果，风格更加独特；在20世纪的现代和声技法中出现多样化的和弦结构，音响常常是不协和的。如果能对这些和声进行必要的分析，对理解、把握他们作品的结构和风格是极为重要的。