发展声乐艺术，提高演唱技术水平，使我们的声乐艺术有一个更好的发展，是声乐工作者，尤其是声乐教学工作者一个重要的任务。当然，发展和提高声乐表演艺术，需要研究和涉及的问题很多，如声乐艺术的基本功与艺术修养问题，美声唱法与民族唱法的结合，通俗唱法与民族唱法的结合问题，声乐教学方法的改革与如何保护嗓音问题等。

　　在这里就声乐表演及教学中出现的诸多问题谈几点浅见。

　　声乐表演中的“声”与“情”

　　声乐教学者在数年的声乐教学工作中，发现许多学习声乐的学生及演员，其中有专业的，也有业余的，他（她）们往往只单方面注重了声音的运用，声音技巧的运用。而忽略了在训练中“情”的运用，以及艺术表现的运用：有许多人，练起声来呆呆板板，死气沉沉。练声只练声，唱歌只唱歌，毫无生气与朝气，缺乏奋进的激情。

　　声与情，技与艺，从来都是歌唱艺术中的血肉相连的两个部分。发声、咬字、吐词和内容的表达构成歌唱的整体，又是不可分割的三部分。好的歌唱不仅技巧好，更重要的是内容表达的好。声乐不仅仅是听觉艺术，在现代社会，更是听觉与视觉结合的艺术。歌曲写的好，还要*歌者唱的好，才能激发观众的强烈共鸣：好的歌唱应当是声音优美悦耳，感情真挚动人，语言形象准确，技法运用自如，形体动作大方，成为多种因素汇集于一体的扣人心弦的完美艺术。就是说，只有声情并茂、技艺结合，才能使歌唱达到感人的境界，产生极富感染力、沁人肺腑的艺术效果。在声乐艺术的发展过程中，“唱声”与“唱情”也有不同的看法，这种不同看法的存在，从一定意义上说，也是一个相互促进、相互影响、相互溶化的过程。

　　所以，在教学工作中，我主张技、艺结合，声情并茂、以情带声、以声表情、寓情于声。因为“声”是基本功，没有唱“声”之功，也无法达到唱“情”的目的，也就没声乐艺术。声与情是相辅相成的。古代唱论（乐府传声—曲情）上说“唱曲”之法，不但声之宜讲，而得曲之情犹重。盖声者众曲之所尽同，而情者一曲之所独异，如果“唱者不得其情”，即声音绝妙、而与曲词相背，不但不能动人，反会听者索然无味。这段话实际上是说，只有当歌唱者对歌曲的内容有了认真、正确的理解，同时又注重了歌曲感情的表现，才能使听众得到艺术上的享受。这也是“技”与“艺”的关系。精湛的声音技巧可以促使艺术感染力的产生。没有“技”，也就无所谓绝妙的“艺”，没有纯熟的声音技巧，就不可能有完美的艺术表现。对于声乐工作者来说，“声”与“情”、“技”与“艺”是完美的艺术结合，也是达到完美艺术表现的目的。

　　那么，下面就声乐教学中，“声”与“情”的统一与表演艺术的结合，谈几点感受。

　　（一）声乐教学及声乐训练中，如何“声”“情”结合。

　　在以往的声乐教学与训练中，很多人往往忽略了一个问题，即一个好的声乐演员，既要有美的嗓音（因为是个条件），又要有良好的综合素质，就是说还要有一定的文化知识、一定的表达能力、理解能力以及我们常说的“好的悟性"，往往是只注重声音的训练，有些甚至生搬硬套的教学方法，学生很多不能理解怎样才能唱好一个练声曲或一首歌曲，缺少启发式的教学。俗话说，没有激情的演员不是好演员，那么同样，没有激情的教师就是好教师吗？当然也不是。怎样去调动学生的学习兴趣、学生积极性，全方位的提高学生的学习水平，挖掘学生的潜力，激发他（她）们内在的感情，这在声乐教学中至关重要。教学在改革，这种改革当然也包括声乐教学模式的改革。以前，我们在声乐教学或训练中，从不要求学生带有感情地去练声，只是刻意地要求声音的美，忽略了启发他（她）们的激情。比如，当学生唱练声曲，以母音练习时，除了让他（她）们唱“咪”“妈”“依”“呜”之外，只是讲讲声音的流畅、声音的位置、气息如何贯通，口腔如何打开等等。对初学声乐的人来说，有时候会说的他（她）们一头雾水，不知所措。等到上完一节课，下次“还课”时，学生还是木然。教师也很着急，心想这学生怎生这么笨？怎么就不能理解呢？而学生更着急，总觉得自己没学好，但又不知道如何去理解，如何对教师讲。这样长此下去，即使学生通过一段时间的学习，虽然会有一些提高，但收效甚微，成效并不显著。当然并不是说，学习声乐，通过一些启发式教育，激发他（她）们的感情，就会在短时间内成为歌唱家。那也是不现实的，因为这里面更重要的问题，是个基础问题，是个基本功问题。问题是声乐教师如何把自己心中所想传递给学生，而不是只管教你，至于学会学不会就不管了。现在我想说的是“声”与“情”的结合，使在声乐训练中的学生，更快更牢固地掌握基本功。可能有人会说，学生练声、唱练习曲也需要“情”吗？这个问题一直困扰着我们声乐教学。

　　有的老教师，学的就是声音的美，只要声音美曲子唱对，词唱清楚，就认为一首歌曲作品或者一个练声曲就算完成了。其实并不尽然。比如学生在唱母音练习的时候，有些教师很严肃地甚至是很威严地要求学生，应当这样，应该那样，不去从情绪上激发他（她）们如何唱。学生不能理解。板着脸很用心地唱来唱去，仍然完不成学习任务，这是其一。其二是，当他（她）们因为学不会，掌握不了方法而苦恼、感到枯燥的时候，就会丧失学习的信心与兴趣。那么，我们作为声乐教师，为什么不能循循善诱地引导他（她）们呢？你可以告诉他（她）们，就像站在高山上，或海边，面对浩翰的云海、大海、伸出双臂，尽情地深呼吸，心情开朗地把自己融入大自然中，轻松地歌唱！

　　1、例如：把普通的母音练习改为填字的练习。通过理解这么一个简单的词，注入情感来练习发声及呼吸方法，要比单一母音练习收效会好得多。

　　2、除了填词的发声练习外，选用一些歌曲片断作为练习曲。对初学声乐的初级水平学生，选一些简单的歌曲片段，如民歌类的“北风吹”、“边疆的泉水清又纯”、“珊瑚颂”等，边练声边练咬字，再加上一些对歌曲理解表现手法，以“情”带“声”，以“声”传“情"的唱会轻松，会比较容易地找到感觉！学习兴趣提高了，悟性提高了，那么学习的效果也会随之明显提高。

　　（二）歌曲内容的理解与声乐技巧的结合

　　在前几年的声乐教学中，我也和其他老师一样，同样是让学生练声，练声再练声，唱歌唱歌再唱歌，收效甚微。学生们也感到很枯燥、单调，当我看了一些歌剧的表演及一些声乐艺术家们的表现之后，茅塞顿开，突发了一个想法，即用歌曲及简单的唱词作为练声曲的练习，多唱歌，用歌来解决方法上的一些问题。我想起了一位老师曾经说过的一句名言，“声乐的方法是局部紧张，局部放松。”即减轻学生的方法压力，让他（她）们进入歌曲中的情景中去。既练了声、练了方法又练了表演，提高了表现力。因为每首歌曲，内在的情感是通过词曲表现的，而这些情感必须由声乐演唱者把它尽善尽美地表现出来。那么，就要求演唱歌曲的演员（不管是专业的还是业余的），都应当根据歌曲的要求、演唱技巧、表现手法、形体语言、面部表情、歌曲感情等各个方面去完整体现。这就要求每个演唱者极尽地熟悉歌曲内容，包括歌词与曲之间的内在感情联系。当你完全进入歌曲的角色之后，你的脑海里出现的是歌曲中所描写的世界，你的眼前是歌曲中展现的环境，你忘记了自己的存在，完全融入到了歌曲所给你的特定氛围。你的声音充满了激情，你忘记了发声吐字方法给你的压力。这时候，平常你上不去的高音上去了，你潜在的情感会因为动情而爆发。这是“情”带了“声”，“声”中有了“情”。

　　说起来容易做起来难。要真正达到这种感觉，也是要付出艰辛的劳动的。因为它要求你在综合素质方面都要有相应的提高。当你拿起一首歌时，你根本不明白这首歌词是什么意思？不明白这首曲子为什么这样写？不知道曲子中为什么要用这个高音？为什么音的跳动这么大等。你能唱好吗？回答是肯定的。“情”本身就是表现力、就是表演。表演不单单是肢体动作。歌曲感情的处理，同样是声乐表演艺术的一个方面。那么表演主要包括哪些方面？如何提高声乐的表现表演能力呢？

　　（三）声乐表演艺术的教学与训练

　　谈起这个问题，很多人立刻会想到戏曲歌剧等艺术形式，这些也是声乐表演的一方面。而更重要的一方面则是“情"的表现与处理。原来我们教学生的时候，一般只注重声音的技巧，气息的运用，吐字清晰等等。这就牵涉到声乐演员及声乐学生综合素质的提高问题。学生应当除了掌握发声的基础知识技巧之外，也要在提高学生声乐技巧的同时，提高各方面的知识。诸如文化知识、古代汉语及现代文学、音乐、声乐发展史、诗朗诵、形体训练、歌曲分析及欣赏等等。有的教师，除了教声乐，学生其它方面的知识从来不予过问，久而久之，学生知识显得非常匮乏，分析起作品来不知所措。因为不知道怎样分析作品，不知怎样处理歌曲，当然做起动作等，也是无的放矢，所表演的动作与歌曲也风马牛不相及。记得，教我的声乐教师曾经说过，要想唱好一首歌，就必须学会朗诵歌词，了解歌词的内容和含义，了解了这些，才能恰如其分地把曲子处理好。一首歌的完整与否，音符唱对了，吐字清楚了，只能说完成一半，而另一半则是表演-即再现力。

　　比如当你让学生唱毛主席诗词的时候，他（她）们从来就不了解、不知道“长征”是怎么回事，不了解每首诗的背景及表现的创作意图，怎么能唱好歌呢？综合每次各地电视台的声乐大奖赛，有些学生或演员的文化素质确实比较差。那么现在提高声乐教师的教学能力，扩大声乐教学的知识范围，也是必不可少的。又如，有位声乐前辈说的好：“唱歌等于朗诵，你能把诗词读得好，读得有意义，那么，演唱也就有意义了。”有些歌曲，需要思想集中，去造成幻想与意境，并保持这种气氛，使它聚合不散，听众因你的想象力，而被带到故事里。”

　　事实上也是这样，当教师为学生选了一首歌或一首练声曲，歌曲中表现的是第一人称，就是角色中的“自我”，而当演唱者表现出来的是与已无关与故事无关的感觉，实际上这首歌已经失败了。当你唱悲伤的曲子时，自己丝毫不感动，欢快兴奋的歌曲，毫无表情的演唱，更会使观众觉得索然无味。本应铿锵有力的歌，唱的软绵绵的。抒情的歌，唱得硬梆梆的，就不是发声方法与发声技巧问题，而是声乐表演中所说的“情”的问题。因此，训练学生发声，提高技巧的同进，一定要注重“情”的表现与“情”的运用和提高。

　　另一方面，要不断扩大学生的知识范围，如听音乐会，观摩歌剧，戏曲、曲艺，注意观察周围事物，看电影、看电视、听音乐碟及唱片，阅读古今中外小说，包括一些杂志报刊。知识丰富了，声乐的表现就会在不知不觉中加强或提高，声乐教师在这方面要为学生创造条件并督促他（她）们去完成这些辅助知识。因为直观教学，在学习中对学生非常有影响。记得有一位男高音学生，在唱世界名曲“我的太阳”时，高音总是唱不上去。但每次让他跟着声乐大师帕瓦罗蒂的唱碟唱高音的时候，他能很轻松地上去，这是一种心理作用。当他听到大师唱这首歌很轻松，他想的是“自己也能唱上去”。当关掉唱碟后，他就唱不上去，他失去了直观的感染力，也失去了自信，就唱不上去。针对这类情况，声乐教师要做的就是根据学生的具体问题，消除他（她）们的顾虑，用歌曲中的“情”来调动演唱者的激情。“情”可以带出“声”，“声”可以传“情”。以“情”来减少歌唱者对声音技巧的压力，使他们局部（喉部）放松，以免造成喉头肌肉紧张。

　　有的声乐教师认为，一个好的声乐演员，只要完成技巧上的训练就可以，其实这是不对的。对学习声乐的学生或声乐演员来说，从一开始就要注重培养他（她）们的感情，这种方法从学习声乐时开始，养成一种习惯。因为听众要求歌唱家的，是通过诗词、音乐、声音和他的独到见解得到一个完整的真、善、美三者相一致的艺术形象。为什么常常听到一些演唱者在演唱歌曲时，只使人感到在卖弄声音呢？感到那声音是空洞的（当然，他的声音技巧也许大大值得称赞），但是他（她）们表现出来的却不是歌曲内容中的感情，不知自己应当表现什么或不应当表现什么？例如：作为爱情主题的歌曲，你心中没有爱的目标，爱的对象，爱的经历，也不知什么叫真爱，试想唱出来的“我爱你”这首歌，不是空洞乏味的吗？一首歌、一支练声曲、甚至很经典的名曲，它的诗词和音乐毕竟是死的，但必须通过演唱者把它唱活了，才能使观众感受到它的感染力，这就是声乐教师、学生、专业或业余的演员应当努力做到的。

　　声乐学习和演唱其实是一个很复杂的劳动过程。每一个学习声乐的朋友都应当把自己作为艺术家。现在也许不是，但不等于将来不是。作为一个歌唱艺术家，不是诗人和作曲家的奴隶。在学习和演唱过程中，他（她）必须有自己的创造，一方面受着歌曲、练声曲内容和形式以及产生作品时代的限制，同时又必须在学习及演唱之时有自己的领会和独特的再创作，没有这种属于自己内心的自由创造，没有声音技巧、音乐感、文化及文化修养、责任感、创作的感情的统一，一首练声曲或歌曲就注定要被唱“死”了。学生学习声乐的时候也同样是这样。当然，我这样讲并不是说声音技巧不重要，声音是重要的，没有声音技巧就谈不上演唱。“演”和“唱”是“声”与“情”的统一。没有声音技巧，就无从谈以“声”传“情”。声音技巧不是目的，但声音（尤其是美的声音）是传达语言及作品内容的一种艺术形式，声音技巧的训练是非常必要的，声音技巧越高，就越有演唱再创作的条件，你的演唱水平，就会有飞跃的提高。

　　因此，声乐教师在今后的教学、训练、演出中灵活掌握学生的学习状态，提高他（她）们发声方法的同时，注重“情”的体会与训练，相信在教学工作中一定会有新的体会。